It's Like Drinking Wine

Jonty Skrufff Date Added: 4.6.2005

"Yes I can be partial to some Purple Haze or Siberian Tiger, though I very rarely do it. Sometimes I don't touch it for 6 months, its very mellow, like drinking wine for me."

Previously renowned as a ferociously uncompromising anti drug zealot, British techno icon Dave Clarke could certainly be described as having mellowed in recent years, not least since he's also renounced Cuban cigars and his other great passion fast cars. Just two years ago he told Mixmag "I love cars- I fucking adore cars" though since (partially) relocating to Amsterdam last year, he admits he's reassessed his priorities.

"Funnily enough, spending time in Amsterdam makes you see the car as a part time thing, it's not important," he explains. "I could have any car(s) I wanted now, but I'm not bothered, I'm really not, I just care that it is comfortable and has a great sound system, so I'll be sticking to my old merc for a long time to come." He also admits that he's no stranger to the city's fabled coffee shops whether for his own occasional smokes or when he's accompanying (British) mates in town, keen to seek out some puff. Not that his newfound tolerance extends to all drugs, he's quick to point out.

"I have always been around people that smoke, it doesn't bother me, just the people that do cocaine get right up my arse with their ego shit," he snarls. "It really makes me look down at someone when they do that stuff."

Throughout his career he's endured (or enjoyed) a fractious relationship with the media, not least for his enthusiastic willingness to slate them (us!) at any opportunity, such as in a revealing interview with an Australian site some years ago.

"Journos do my head in quite a lot, either through lack of knowledge, passion, or intelligence, and when you get all three in one package it's incredible," he told inthemix.com. "There are some good journalists in the UK, but most of them don't like me."

Though he certainly has his media detractors he also has more than enough supporters such as long term friend DJ Hell, a man with more in common than might first meet the eye.

"Lots of people have the wrong impression of him, he's a very nice guy and he's also very funny as well as being to me one of the greatest DJs and producers," Hell told Skrufff in 2002. "I really like him even as a person, we're friends and there's a lot of respect between us. When he talks to the press he talks loud and clear and a lot of people don't like that. I know what he's talking about and what he means and we always have a great time when we play and travel together."

Like Hell, Dave's also started paying more attention to his image in recent years, cheerfully slapping on Sisley make-up when he performs attracting "great reactions from girls and strange ones from insecure males', he says. He's also more than happy to admit he considers himself a metrosexual "fully in some ways though unfortunately I can slip into alpha male mode sometimes."

Chatting to Dave via email (he'd make a surprisingly good journalist if he wanted) he's also blissfully unconcerned about offending sensibilities, such as those o Fischerspooner's; the electroclash darlings he unwittingly unleashed on the world.

"That's a bitter pill sometimes," he admits. "I was playing Emerge before anyone else picked up on it and I was getting emails at the time from Fischerspooner and their singer as they were really excited.

Then 2 years later, by accident, I saw their "performance' on Top Of The Pops and immediately thought "Thank Fuck I didn't get involved after all'. They were responsible for killing electroclash in one foul swoop (with their Flock Of Seagulls gets dumped by art school kind of vibe), and they had the biggest egos I had ever come across. I still think that Emerge was a fantastic record and they still haven't even come close to that since but as for electroclash tt's just a Hoxton/Shoreditch (East London) thing; the followers call themselves trendy yet they were so late taking it up in the first place, it's just funny.

There are still some good electroclash records out there but I actively distance myself from that scene, I don't wear a tight scarf or a dodgy hat, I listen to music as it comes and I never follow musical fashion. I think the electroclash scene hasn't made a blind bit of difference to the international club scene, just a few very, very local scenes which ironically have scared a lot of people away from it because they don't want to be associated with the fashionista."

Skrufff (Jonty Skrufff): Starting with the compilation: was it an easy task for you to put it together or something you spent months and months toiling over track selection, sequencing and overall vision?

Dave Clarke: "A compilation is always a balancing act, I spent quite a while doing it mainly because my father and road tour manager died within a week of each other and about a month after signing the deal. I kept thinking it wouldn't delay me too much but it made the whole process about two months longer than any of us were expecting and everyone at Resist was really understanding. When I got back into doing it I was really happy, yet again music makes it all worthwhile. I was initially thinking of doing a more punky CD incorporating Helmet, The Ruts and Tom Vek, but I didn't feel comfortable with it as a CD for sale; When I got a tracklisting together for both the techno and electro CDs I knew I'd made the right decision."

Skrufff: How much is the CD about entertaining listeners and how much educating?

Dave Clarke: "It's always about both, but it's also always about doing a representation of what you have played and will be playing in the clubs. I don't like to use the word educating because it suggests you are somehow more intelligent; it's not that, it's just that music is my life and more so than the listener on average so my awareness of music is going to be sharper. I then like to use this awareness to present something exciting and challenging."

Skrufff: The press release says the CD was completely mixed on his beloved Technics DZ 1200 CD decks': did you do it in one take or use computer trickery?

Dave Clarke: "No I didn't do it on computer, I couldn't bring myself to do that at this stage, it's more fun working live on decks, it's more of a seat of the pants process than doing it predetermined with multiple undos."

Skrufff: you also say on the accompanying press release "techno DJs have better skills than for other genres": do you make many (any?) mistakes when DJing these days? (is CD mixing easier?)

Dave Clarke: "All DJs make mistakes, me included, CD mixing is easier in some ways (quicker cueing for example) but CD mixers also add their own problems and you have to adapt to different techniques (for example there is no centre spindle on CD decks to speed up so you have to develop a new flick technique) but it keeps you on your toes. Ableton mixing is soooooo easy, OK the pre-programming is where the skill is, but you can't drop a beat when you're using it so that to me isn't DJing, it's just sequencing without risk."

Skrufff: Do you have many bad nights, or have to have particularly unresponsive crowds: do you ever feel like slowing down or retiring from DJing at any point? (do you visualise yourself doing it when you're 70?)

Dave Clarke: "I don't even visualise living to 70. I very rarely have bad nights, but that is because I have a good agent and an instinct that I normally follow. As for retiring I am sure I have some years left to give, and I will continue as long as I enjoy it, feel it and love it."

Skrufff: You're DJing constantly- how often do you experience magical truly memorable gigs, do you believe in higher powers and magic?

Dave Clarke: "Last week I had two excellent gigs, I often experience incredible gigs, I sometimes have tears come into my eyes because the music and atmosphere is everything that I dreamed it could be and more. I don't believe in higher power like religion but I do believe there is something that has a greater intelligence and nature has to be respected, and my local chef does great card tricks that must be magic, nothing else explains them."

Skrufff: You recently relocated to Amsterdam: why did you choose Holland instead of say America or Australia?

Dave Clarke: "I have moved here that's right and it's ironic because I was thinking about it after my first gig in Holland in 1988, it is a very peaceful city that is bohemian in outlook. I don't entirely live here, I also spend time in the UK. As for other places, I could never live in the States until Bush is voted out, I wouldn't even consider it. A lot of promoters have tried to get me to play in the States and whilst some are friends I cannot go there professionally whilst Bush is running a protectionist war-mongering country. I love New York though. Melbourne rocks, great people, great food, really, really cheap property (by European standards), but it is too far away from things. To me, it's a place to retire or visit a few times a year, it doesn't work living there if you are really busy around Europe."

Skrufff: I understand you're now flying private planes: what's the attraction? (ever had any scary moments on planes?)

Dave Clarke: "They've suited my itinerary and made my gig commitments possible, though I have had loads of scary moments, sure. That includes a dodgy engine once when fuel was pissing out the starboard wing tank (one spark on emergency landing and we'd be toast), 767 heavies right up your crack when landing at Frankfurt, holding the pilot's door closed just after take off. It just makes life more on the edge sometimes, though it's not nice when you think this is your last landing and ATC (Air Traffic Control) is referring to people on board as "souls" and I'm thinking fuck don't refer to me as a "soul" yet I'm still alive and kicking."

Skrufff: You told DJ magazine recently "I love punk and most punk musicians weren't knowledgeable. I find Beethoven tedious and predictable. The point is knowledge can sometimes stifle energy", do you still consider yourself a punk in any way (what does the term mean to you?)

Dave Clarke: "Punk means two fingers to authority, kicking against the pricks, being a spanner in the works, not towing the music mafia whips line, being independent. I still vibe intensely off the music and the ethos (though not the Mclaren/Westwood fake shit)

Skrufff: Do you ever find techno becoming tedious and predictable?

Dave Clarke: "All music has that ability, it's finding the material that isn't that makes it all worthwhile and challenging."

“ I find they really over-do the genres in Europe. They like lots of adjectives: Deep-minimal-tech-house night; Classic-45s-only night. They get really selective. ” Mark Farina.



So, you’ve created your own musical subgenre and people have been eating it up happily for nearly ten years. Congratulations, but… where do you go next? Mark Farina, who recently celebrated new growth in his musical garden with the release of Mushroom Jazz 5, seems content following the ebb and flow that is the constantly changing musical landscape of House music, and the more complex sub-genre of downtempo.

The very existence of the Mushroom Jazz sound is quite remarkable and unexpected in and of itself. Who would have ever guessed that a San Francisco transplant (by way of Chicago) would make the world dance to the jazz- flecked, mid-tempo beats usually delegated to the side-rooms and chill-out rooms of raves and after hours soirees?

While Farina is usually closely linked to the San Francisco deep house scene, it would be a mistake to pigeonhole him to such a specific, sometimes narrowly restrictive, sound. A look into his musical past, as well as a listen to any of his eclectic DJ sets, makes clear that it is Farina’s flexibility and musical breadth that have allowed him to remain an influential musical champion for nearly twenty years.

By now, everyone knows about Mark Farina’s inspired musical friendship with Derrick Cater in the burgeoning Chicago house scene of the late 1980s. Their shared musical lineage makes perfect sense too, since they both favor chunky, funk-drenched House grooves. But how did Farina come to such a palpable sound? How does he manage to thrive on what would seem to be two extremes of the dance music genre? At home with his dog in San Francisco between appearances on the Mushroom Jazz 5 tour, Farina took the time to speak with JJazproJect
about musical balance and evolution and why he would never every drown music in a pool of adjectives.

Alex R. Mayer: Tell me about your upbringing and some of you earliest musical influences.



Mark Farina: I grew up in Chicago and I played trumpet from 5th grade until high school. The first concert I went to was Rush when I was 6th grade, the Moving Pictures tour. Neil Peart was a big influence of mine early on in terms of drumming. In high school, somewhere around 1983, I started to get into more electronic stuff, early Depeche Mode, The Cure. I was into the Waxtrax sound. That was the first city record store. Ministry was one of the first local industrial bands, and then from there I got into Front 242, Skinny Puppy, and Nitzer Ebb. There was a club called Medusa’s, which was popular in the mid-80s in Chicago. They would have a lot of Waxtrax artists perform at like 4AM unannounced. That was a big influence on me when I was young. They would heavily mix industrial electronic music and the beat would never stop. I remember the House mixes were too disco-y for me at the time. But I was still hooked by the whole DJ thing. It wasn’t until around 1988, after I graduated college and had been playing industrial, that I started to get into Detroit techno or acid stuff, like Derrick May, and Juan Atkins.

ARM: In what ways did you bridge and meld your musical styles when made the move from Chicago to San Francisco?

MF: It was a slow transfer. I was working at Gramaphone Records at the time and was playing three or four nights a week in Chicago and it was starting to get stagnant. All your friends were DJs and everyone bought records whether they were DJs or not, which was a good competitive breeding ground, but work wise it didn’t pan out so well. In those days, DJs would play all night and you had a hundred DJs going for one job, trying out for one slot. The San Francisco scene was starting to get heard about with guys like the Hardkiss boys, John Williams coming to
Chicago. The Chicago sound, DJ Sneak, Heather, Derrick Carter, Diz, was a minority in San Francisco—Funky breaks, darker-tech house, were the dominant scene. Our Chicago style of mixing, remixing on the fly, was popular when we came out. People were blown away by it. We would mix all the time and no one was doing that in San Francisco and people seemed hungry for different DJ skills.

When I did move, I was worried about losing the Chicago sound. There was a big acid jazz scene, with different styles and tempos. I think the whole Mushroom Jazz thing wouldn’t have developed if I had stayed in Chicago.

ARM: So how did the Mushroom Jazz sound come about? Did you ever expect it to reach the level that it has today?

MF: I didn’t really anticipate it. It started out as a mixtape to listen to after the party; that was the initial idea. I played that style in Chicago but there were just couches and people nodding their heads. It wasn’t until I came here that I realized people danced to this stuff. I was doing so much house stuff; I was surprised that they wanted to do a downtempo CD. With the acid jazz boom in the mid-90s, there was a bunch of stuff coming out that seemed to fit in well with that style. As the whole downtempo thing fazed out, around the time of D n’ B, there was less good import downtempo to find. Hip-Hop has also kind of changed, the whole thing was based upon the slower, funky 90s Hip- Hop and now with the whole southern Hip-Hop twist, it’s become something of a scarcity.



ARM: How have you seen Mushroom Jazz progress and how do balance it with the House side of things?

MF: Well, it’s interesting. Having invented my own sub genre, I can do what I want. It’s always been a base tempo. Finding music has changed more with Mushroom Jazz then with the House side. I used to buy mainly a lot of European records, now I buy mostly US instrumentals. I find it’s harder to find music that fits the MJ sound. A specific example is in terms of vocals, it’s hard to find tracks that aren’t too R&B. A few years ago you could find stuff that was still soulful, but not like an R&B ballad. Especially with the male vocals, people like Omar. I don’t find a lot of that stuff that fits the style. I’ve had to streamline the sound but I still like the way it’s come out. There are different productions and a lot more dubbier stuff.

Bridging the two, I do through a lot of samples. I know what tempos work best in different cities. The two tie together well. Adding Hip-Hop samples to house is something I like and I do it each week, creatively mixing and bridging House stuff with Hip-Hop samples.

ARM: It seems as if Dance music these days is constantly being broken down and subdivided, almost to the lowest common denominator. Is the fusion of Mushroom Jazz a sign of a musical future with fewer genre boundaries?

MF: It’s hard to pinpoint. I find they really over-do the genres in Europe. They like lots of adjectives: Deep-minimal-tech-house night; Classic-45s-only night. They get really selective. In America I feel like a lot of club nights have started to decline a bit in some respects; the nights will be lumped into one; more than they used to be. Guests might be a little more diverse. It’s melded into just a good party night. I find that I can play an old 80s track or an obscure James Brown track without worrying about it being “vocal house” or “filtered disco” night. When it’s just a good party, I feel you can be a little more open, throw out some surprises. In San Francisco there are still lots of pure House nights, but not all cities have that. Some nights have been streamlined.

ARM: It’s interesting to hear you say that, as I have found that Dance music here in America is more apt to be over-labeled and sub-categorized; you see so many genres, within a genre, within a genre.



MF: I think I was born to avoid labeling. The Chicago house style was always so open. You could play a vocal track and then a minimal bleep track and a Detroit vocal followed by a deep Kerri Chandler something… it was always our nature to be different. Some DJs keep an even line for the whole set. I like the peaks and valleys method; up down and around kind of way, as opposed to aiming for a set plateau.

ARM: How much time do you spend on Producing? How do you balance your studio work with your DJing?

MF: It’s kind of a hard thing to balance. I teeter between both. I can’t always do both unfortunately. I find that sometimes I won’t turn on the production gear because I can’t get into it if I have a lot of gigs going on. I’m lucky to have a formula. I’ve been producing since High School when I got my first drum machine, so I can do stuff in a minimal amount of time. 6-8 hrs to get the basic idea down and then fine tune. A lot of times if I’m producing I may not be thinking about if I’m going to play it or not, it’s just about getting a groove on and seeing how it works. Sometimes if I hear a sample or a loop, it will be more geared to the dance floor but if I’m making tracks it’s kind of more abstract and less recognizable. If I have a dancefloor loop, I make DJ tools, which is like an in-between production stage. Especially with CD technology I can make versions for playing out. Back in the day the only option for that kind of thing was pressing acetates or using pitch cassettes. It’s kind of the new phase. It’s cool just to make up an idea, like a mash-up, which really we’ve been doing since 1985.

ARM: What is your favorite piece of equipment and why?

MF: I would say the [Akai] MPC 4000…. I started on the 2000. I like the pads and it allows me to put the vocal bits where I want them and do what I want to them. It’s great for drum sounds and sampling your own sounds. I also like Emu XL7 and MP7, it’s like a drum machine unit. I’m into pads. I like touching different things. I’m not a good mouse person, I like having everything run all at once and pressing buttons in and out.

ARM: With the continued expansion of digital technology and media, how much do you keep your hands on wax?

MF: I still get records every week, so I still like records. I must admit, I play CDs out more. It’s nice not to worry about my vinyl getting lost anymore. I used to have to buy 2 copies of things if I really liked it, and leave one at home. I’ve had records stolen and whole crates lost. It’s nice to not have to worry about it and know that my records are safe at home, and that I don’t have to blow my shoulder out anymore. At home I listen to records, I still think vinyl is the best way in terms of keeping stuff. CDs can just fizzle out, the ink eats through them. Vinyl you know will last.



For awhile, I was almost getting bored with vinyl; creatively you can only do so much. With the CDJ, I feel I can be more creative on the spot. With acapellas and pitch transposing, you can do stuff you could never do before. Before CDs came out, you could buy 2 copies of a record, but only play things within that pitch and it was a bit limiting. Now you can throw pitch out the window. You can change the tempo and keep the pitch. It allows me to be an On-the-Spot Party Rocker, which is what I like to do.

Words by Alex R. Mayer



JJazproJect would like thank Mark for taking the time to speak with us. Also, many thanks go to Gunnar @ OM Records and Guy at X-Mix Productions for helping to arrange the interview.

Get closer to this croatian electronic talent:

http://www.djmary.com

In the near future, I will publish here a personal interview of him... stay tuned ;-)

Over the last few years, Magda has had a growing involvement in the legendary Minus label from Windsor, Ontario founded by Richie Hawtin, and her profile as a DJ and producer has grown exponentially. Now an internationally touring DJ, Magda reflects on the dynamics of her evolving career. "Playing the first DEMF, and three years later playing the next one, it was interesting to see that people actually knew who I was and they were excited to hear me! And Mutek was really good for me to do - something that I like which was more weird and experimental". As an artist and a uniquely spirited woman, Magda values artistic integrity. "I don't ever like to go and have to play something I don't like. I don't want to play because of a certain crowd. That I have always stuck to. I can't forget the fact that ultimately I am a DJ, and I am there to provide music for the people and not for myself, but I want to present that in a way I'm happy with. I think there is a way to get the people in and still stay true to what you do - and I think that's a challenge. Because in a lot of places they've never heard your type of music.."
Certainly traveling with Richie Hawtin as part of his De:9 Closer to the Edit tour has increased the aptitude of people for Magda's unique DJ sets, but she remembers well how it started. "We have mutual friends that we met through a long time ago. He had a small club in Windsor, 13 Below, and he made me weekly resident for one of his nights, and he asked me to open up for the New Years Eve Epok party. That was the first major event where I actually played with him, and that was exciting. Ever since then, it's been building up to this point." Anyone at the Control event would have witnessed the complementary musical styles of Magda and Hawtin. "We play well together - Yet we're a lot different at the same time", says Magda who regards her own style as mellower and more sporadic.
Magda's ingenuity and passion for difference become evident when she describes her roots and the path she took to be where she is today. Born in Poland, moving to Texas, then to Detroit at age eleven, later studying in New York and returning to Detroit before once again relocating to New York City where she has been for the last two years, Magda is now ready to move into a new apartment in Berlin. Magda's influences have been both multifaceted and long-lasting. "Detroit totally shaped my entire sound. I started going to parties in '94, right at the peak of cool Plastikman Live PA's. At about the same time, I got into weird house and underground parties with Moodyman and Theo Parish. I don't play that way now, but it was an influence. The thing about Detroit,
As for the challenges facing an artist in terms of compromising artistic integrity versus the underground paradigm, Magda is hopeful yet critically conscious. Says Magda, "There is a lot of techno that's super commercial, just like anything that is popular. It needs to be popular for the other parts to be kept underground? Who's to say what I play isn't completely commercial? But, it's always evolving. I'm always searching for something new, something else. I think I'll always be looking for new stuff that?s not really commercialized. But it's all business, it's all a market. And as much as I'd like to say, "I'm cool, I'm underground, I'm not part of that," - what if that happens to what I'm doing?" Magda is quick to stress that techno with the rest of the world must inevitably change, and that it is not a static, ahistorical, un-changing entity floating in time in space. "Techno and dance music really got popular around '97. It really blew up on a commercial level and people found out about it. Where ever things become commercialized, ultimately it pushes the subcultures more underground. I feel like now something new is going to happen again. It's been kind of stagnant. Now most people know about it, so I think those people who came into it later, through trance or more commercial stuff are looking for other things. With the invention of technology and final scratch people are making super cool stuff, and it's creating this new subculture. That's exciting to me."
Comparable to many North American cities, Magda's primary place of influence, Detroit, has been experiencing a lull where once there was a booming scene and lucrative market for techno music and events. "As far as techno, I think it's not good right now. It's just hard to keep things consistent and keep people excited and going out. I feel like there?s a big gap? I think we were the last ones to come out of the experience of a community in Detroit that was excited and I think after that was the whole mainstream rave culture blow up and that was completely separate from us in a way. So there was no mentoring system that continued. Now that has died, so people are trying to create new things and see what's going on."
As a DJ with goals for the future, Magda is conscientious about her state of mind and body. "Keep myself sane? It's all chaos, all the time! I try to have my own time to myself, not rush all the time. It catches up to you. One thing about traveling is getting into that mode, and you have to pay attention to make sure you've slept as much as you can, because a lot of times you sleep wherever you can - on the plane, in the car, a nap in the hotel. Straight to the club, get on the plane - same thing every day. I pay attention, I keep hydrating myself, taking vitamins - just eating well is key. I don't want to run down my body and be useless. It's tough; you definitely feel like shit if you've been going a couple of weeks, and I have to not drink all the time! You go to places where you have friends you haven't seen and there's a good party, great music and you want to have a good time, but I'm learning that I can't do that all the time."
For Magda the key is balance. Feeling her way through the maze of options, and believing in the way she presents her music and evolves in her career are important. "You need to find your own style. I see a lot of DJs gravitating to the five popular hot tracks of the month, and people tend to play similar stuff or the same. It's important to look different places and not limit yourself to one particular style. A lot of styles are intertwined. It takes time to find out what you like and your taste changes with your ear being more refined. That's most important."


With increasingly rich experience behind her, Magda is still a relatively new DJ to hit he world as part of the so-called "next wave of Detroit" to make its presence known, and yet she is humble. "I'm a fresh fish in the pond. I'm sure I'll have more to say in the next few years. But I've always felt I don't want to be afraid to surprise people and I don't want to play safe. Not everyone loves it, but if some people really like it, it makes it worthwhile. As long as I feel it, whether it's weird or not, I want to present that to people whether it's unfamiliar or not to them. I feel it's my job. I don't want to be afraid to do it." And do it she will. Magda appears to be developing an ability to manage the tensions that inevitably any artist will face, in order to carry the music she loves to the world.
One thing Magda has been absorbing is the difference of dancefloor cultures. Because Magda has chosen to uphold her integrity as an artist playing only the kind of music she likes, she says, "It's tough to find a market these days. I remember years ago it was easier for me to get gigs and make more money, in more places. Now there's tiny pockets in the country that have cool nights, but so few of them. I find North America pretty frustrating because, playing at a club, people will just stand around and watch you like it's a concert and that kind of freaks me out. Why stand there and watch me twist some knobs? I don't play abstract where people can't dance to it. Here, people first start drinking and then they dance. I notice in Germany or Europe, the first thing the people do when they get to the bar is dance and then they go to the bar. It seems like a slightly different mentality and people really listen to music. They pay attention, and if they like it they react. It's amazing. The law is a bit more relaxed. In Detroit, or New York, when the bars close, "That's it, get out. No more." It's frustrating, because I'm just getting going around one o'clock. When people try to do different events in other venues, then they might not have a license and those get busted. It's frustrating for all, because people just want to go out, hear some good music and have a good time, not have to stress." For Magda sound is the most important element of an event. "In Europe, the number one thing is sound quality, and that's what I do not find in North America. That's what makes the whole night to me, because there are so many intricate little things in records that people don't get to hear if the sound isn't right. As a DJ, if you can't hear something, you can't perform as well, and it makes all the difference."
So, now that Magda is touring, what is it that peaks her interest? "It's super hectic - hard and exhausting. But I love it all - the sleeplessness, the airport crap. Just going to a strange place in the middle of a weird country is exciting and it's interesting to see how people there interpret music or their perceptions of techno. Sometimes it's completely different. It's challenging to figure out a way to get through to people, to show them what you're trying to present, but still not being completely out there where they're scratching their heads. Touring has really opened my eyes up to a whole new thing."

Words: Amanda Connon-Unda (Originally in Klublife Magazine 2003)

Der kalifornische DJ und Produzent John Tejada ist produktiv wie kaum ein anderer im Bereich moderner Tanzmusik. Während die meissten seiner Kollegen daran arbeiten, einen eigenen Sound innerhalb eines einzigen Genres zu etablieren, bewegt sich John Tejada in allen Genres gleichzeitig: Egal ob House, Techno, Elektronika oder Drum'N'Bass - alle Szenen werden von dem Multitalent beliefert, und John Tejada bewegt sich in jedem dieser Felder so, als wäre es sein Einziges. Kürzlich überraschte John Tejada mit einer weiteren Facette innerhalb seines Schaffens. Unter dem Projektnamen "I'm not a gun" veröffentlichte er auf dem Berliner Label "City Centres Offices" ein Album mit dem japanischen Gitarristen Takeshi Nishimoto, das eindrucksvoll demonstriert das John Tejada auch im Post-Rock Dickicht eine gute Figur macht und in Tortoise-Tradition Elektronisches mit Akustischem mischt.

+Du produzierst und vertreibst schon seit einigen Jahren elektronische Musik. Wie hat sich in diesem Zeitraum dein Studio Setup verändert?
Es hat sich immer mehr verkleinert. Mittlerweile benutze ich nur noch einen Computer, selbst ein externer Mixer findet man in meinem Studio nicht mehr. Wenn man mir das vor 5 Jahren prophezeit hätte, hätte ich es nie geglaubt.

+Wer hat dich musikalisch am meisten beeinflusst, woher beziehst du deine Inspiration?
Eigentlich von überall her. Einen großen Einfluss hatte mein frühes klassisches Training, aber auch Musik, die ich gehört habe und immer noch höre. Zum Beispiel ältere und neuere akustische und elektronische Musik.

+Gibt es einen bestimmten Künstler, der dich und deine Musik besonders beeinflusst hat?
Es ist schwierig sich auf einen Künstler festzulegen, es gibt bestimmt Hunderte die einen großen Einfluss auf meine Musik haben. Ich denke es ist eher eine Kombination aus verschiedenen Musikstilen von Klassik, Rock, Jazz und alter und neuer elektronischer Musik. Ich denke auch das ich in letzter Zeit sehr stark von meinem musikalischen Unfeld, also von Freunden beeinflusst worden bin.

+Welche Synthesizer und PlugIns benutzt du?
Ich benutze alle Emagic Instrumente, die bei Logic 6 dabei sind, wie z.B den Evoc 20, EXS24mk2 und ES2. Ich benutze auch eine Menge Waves PlugIns. Ich mag auch die neuen Steinberg Synth wie den D’Cota und den Plex, aber auch den Atmosphere benutze ich. Von NI benutze ich Kontakt, Vokator, Reaktor und den Spektral Delay

+Wie verhält es sich , wenn du an Projekten arbeitest, die in eine andere musikalische Richtung gehen?
Bei einem Projekt wie „I'm Not A Gun" kommt es darauf an Gitarre und Drums mit einem Minimum an elektronischen Sounds zu kombinieren. Manchmal integriere ich diese Elemente in meine elektronischen Produktionen. Aber bei „I’m Not A Gun“ geht es natürlich hauptsächlich darum eine guter Performance zu transportieren.

+Wie bist du auf NATIVE INSTRUMENTS Produkte gestoßen?
Durch Freunde, die auch produzieren. Ich bekam irgendwann mit dass ständig neue NI Produkte herauskamen. Die NI Sachen haben dann auch meine Augen geöffnet, und mir die neuen Möglichkeiten der computerbasierten Musikproduktion vor Augen geführt.

+Hat die Verwendung von NI Software deine Produktionsabläufe beeinflusst. Welche Instrumente haben deine Art zu produzieren am stärksten verändert?
Ich habe eigentlich jeden Monat eine neues Lieblingsspielzeug, Kontakt hat mich allerdings sehr beeinflusst.

+Deine Musik basiert häufig auf synthetischen Sounds, welche Instruments setzt du für welche Sounds ein?
Viele meiner Sounds, die eher einen synthetischen Charakter haben wie z.B. auch meine Drum Sounds sind eigentlich recycelte Sounds, die von ganz anderen, älteren Quellen stammen. Da ist eine Menge 70er Jahre Fusion Material, dass ich aber in einen elektronischen Zusammenhang bringe. Dabei faszinieren mich die Klangfarben, die wie ich finde einzigartig sind. Klassische Hardwaresynthesizer benutze ich auch. Ich habe einen Virus und manchmal greife ich auch auf den Nord Micro Modular zurück. Ich benutze sehr viel Software und in letzter Zeit verstärkt NI Produkte.

+Du gehörst zu den aktivsten und produktivsten Produzenten und hast einen hohen Output. Wie lange arbeitest du normalerweise an einem Track?
Es kommt ganz darauf an, wie inspiriert ich bin und ob ich einen kreativen Tag erwischt habe und alles wie von selbst funktioniert. Ich verbringe mittlerweile viel mehr Zeit an einem Song als früher. Man hat so viele Möglichkeiten und immer das Gefühl, dass ein Track noch nicht vollendet ist. Aber um die Frage zu beantworten: Mindesten 2 Tage oder mehr.

+Du musst sehr organisierte Produktionsmethoden haben, oder?
Das würde ich nicht sagen, aber irgendwie bekomme ich eine Menge Tracks produziert.

+Was sind die wichtigsten Aspekte, die ein Track haben muss? Worauf legst du bei der Produktion deiner Musik wert?
Man muss einfach von Anfang an ein gutes Gefühl haben. Wenn ich stecken bleibe bedeutete das meistens, das der Track kein Ende finden wird.

+Verglichen mit vielen Loop basierten Technoproduktionen scheint deine Musik viel mehrarrangiert zu wirken. Wie sieht dein Produktionsvorgang aus? Baust du erst verschiedene Sounds und Beats und arrangierst dann oder passiert alles gleichzeitig?
Es ist immer hilfreich am Anfang eine ganze Menge guter Sounds zur Auswahl zu haben. Das regt die Kreativität an. Ich hatte immer eher das Gefühl, dass ich Songs schreibe und keine Loops oder Tracks. Ich mag es komplexere Arrangements zu erstellen. Ich denke es hat mit meinem musikalischen Hintergrund zu tun und meinem persönlichen Musikgeschmack.
Du produzierst nicht nur für eine Menge Labels, sondern betreibst gleichzeitig auch noch dein eigenes Label “Palette“, von dem man eine Menge hört. Wie bringst du das alles unter einen Hut??

+Ich weiss es auch nicht. Ich schaffe es irgendwie, alles so zu organisieren, dass kein Bereich vernachlässigt wird. Das hängt wahrscheinlich damit zusammen, das ich die Arbeit gerne mache und mich jeder Aspekt gleich stark interessiert.

+Warum hast du dein eigenes Label gegründet? Wo liegt der Unterschied verglichen mit deiner Arbeit für andere Labels?
Bei meinem eigenen Projekt bin ich der Boss und kann Entscheidungen fällen ohne die Zustimmung anderer, auch wenn es falsche Entscheidungen sind. Mit anderen Labeln muss ich zusammenarbeiten. Auch muss ich mich bei einem eigenen Label mit weniger Leuten streiten, wenn ich nicht bezahlt werde.

+Du arbeitest auch mit anderen Künstlern wie Titonton Duvante oder Arian Leviste zusammen. Wie unterscheidet sich die Arbeit mit diesen Künstlern? Ist es für dich schwieriger mit anderen zu arbeiten als an deinem Soloprojekten?
Es ist ein ganz anderer Prozess. Ich mag diese Kollaborationen, man hängt miteinander ab. Aber selbst wenn ich an meinen eigenen Sachen arbeite, mag ich es wenn Freunde dabei sind, selbst wenn sie nicht aktiv mitmachen. Es regt meine Denkweise an.

+Du gehörst zu den wenigen House- und Techno-Produzenten, die auch angefangen haben Drum & Bass zu produzieren. Wie unterscheidet sich da deine Produktionstechnik??
Ich versuche da keine großen Unterschiede zu machen. Es ist aber viel schnellere Musik. Solange ich mich nicht um die Drum and Bass Produktionskonventionen kümmern muss, macht es mir Spaß Drum and Bass Tracks zu programmieren.

+Dein Projekt "I Am Not A Gun", das in Kollaboration mit Takeshi Nimimoto enstanden ist, spiegelt viele Post Rock & Jazz Einflüsse wieder. Wie ist das Projekt entstanden? Hast du früher in einer Band gespielt? Wie wurde es produziert und welche Instrumente hast du gespielt?
Ich habe mein ganzes Leben lang Instrumente gespielt. Das fing mit dem Klavier an und führte mich auch zum Schlagzeug. Ich genieße es elektronische Musik zu produzieren, aber ein anderer Teil von mir liebt es einfach Musik live zu spielen. Es ist ein Gefühl, das mir beim Programmieren nicht wiederfährt. Takeshi habe ich vor 4 Jahren durch einen gemeinsamen Freund kennen gelernt. Wir haben erst viel über Musik gesprochen, haben dann aber angefangen uns zu treffen und über die Jahre viel Musik gemeinsam aufgenommen. Unser erstes Album ist das Resultat. Auf dem Album spiele ich Gitarre, Schlagzeug und bin für elektronischen Elemente verantwortlich. Takeshi spielte die feineren Gitarrenparts.

+Du spielst sowohl Live, als auch als DJ. Was bevorzugst du?
Wenn es um elektronische Musik geht, dann lege ich lieber auf. Man kann mir noch so viele Tastaturbefehle, Knöpfe oder Fader zur Verfügung stellen, ich habe trotzdem nie das Gefühl, wirklich live zu spielen. Djing fühlt sich spontaner an.


+Was sind deine nächsten Projekte und Veröffentlichungen?
Zu den nächsten Veröffentlichungen gehören 5 Alben:

1. John Tejada & Arian Leviste "Fairfax Sake" auf Playhouse Records wird
Ende Mai 2003 veröffentlicht.
2. John Tejada "More Backstock" auf Palette Recordings. Das wird das Nachfolgealbum zu “Backstock” und wird demnächst erhältlich sein.
3. John Tejada "Plus Mix" Plus/Technasia Records. Meine erste Mix CD mit andern Künstlern für die Plus Mix Serie auf Technasia’s Sublabel Plus. Es wird Ende Mai 2003 veröffentlicht aber leider nur im asiatischen Raum.
4. John Tejada & Arian Leviste "The dot and the Line" auf Moods &
Grooves Records, wird noch in Sommer 2003 erhältlich sein
5. John Tejada "The Toiling of Idle Hands" auf Immigrant Records, gibt es bald.

Außerdem produziere ich momentan noch drei EPs für Palette: "Roq It",
"Transit Tracks", und "Western Starland - Remixes". Diese werden dann im August veröffentlicht.

Es werden natürlich auch eine Menge Remixe von mir in nächster Zeit kommen, die ich für verschiedene Labels fertiggestellt habe. Ich freue mich auch darauf demnächst ein neues Album für Plug Research zu machen.

Yello sind mit ihrem typisch hyperaktiven Elektropop inzwischen seit über zwanzig Jahren in ihrer eigenen musikalischen Fahrrinne unterwegs. Obwohl das Schweizer Duo immer in einigem Abstand zu abgesteckten Genres musiziert hat, wird Yello in einem Atemzug mit Kraftwerk und ähnlichen Heroen als eine der Übervater der modernen elektronischen Musik genannt. Mit „The Eye“ haben Boris Blank (vater von carla blank *g*.....nur spaaaaaas :))))))))) und Dieter Meier nun wieder ein aktuelles Album vorgelegt, dass den typischen Yello-Sound in zeitgemässer Form reinszeniert und dank der Sängerin Jade Davies dabei sogar um eine Prise loungigen R&B erweitert.
Das Yello-Studio in Zürich müsste mit seinen Racks voller klassischer Analog-Synths, einem altwehrwürdigen Fairlight und einer über 20 Jahre gereiften Sampling-Library eigentlich als Ort der Tradition durchgehen, aber tatsächlich ist Boris Blank ein äusserst aufgeschlossener und vorwärts denkender Produzent, der konsequent auf Software setzt.

+Euer neues Album ist mal wieder eine typische Yello-Platte – sie klingt mit ihren R&B-Elementen modern und zeitgemäß, ohne sich an irgendwelche Trends anzuhängen. Wie würdest Du „The Eye“ im Bezug auf aktuelle Musikstile einordnen, oder ist Dir das überhaupt nicht wichtig?
Mir ist so eine Einordnung überhaupt nicht wichtig – ich habe beim Musikmachen nie nach links und rechts geguckt und bin in meinem Studio so etwas wie ein Eremit, abgeschnitten von der Außenwelt. Ich arbeite da tatsächlich wie ein Mönch in Klausur. Ich höre auch nicht sehr viel Musik, natürlich ab und zu ein paar Sachen im Autoradio, aber es gibt wenig gute Sender in der Schweiz. Ich arbeite die meiste Zeit wirklich sehr abgeschieden hier im Studio, wie ein Kind im Sandkasten, das die Musik zur Meditation braucht.

+Abgesehen von den typischen Latin-Elementen ist Deine Musik also ziemlich unbeeinflusst von anderen Stilen oder Künstlern?
Wenn ich mich von anderen Sachen beeinflussen ließe, wenn ich da versuchen würde irgendetwas zu kopieren, dann würde das ziemlich danebengehen. Ich kann nur genau das, was man auch auf unseren Platten hört – was ein mehr oder organisierter Dilettant also zustande bringt (lacht). Die neue Platte ist also auch nicht die Realisation eines bestimmten Konzepts, sondern einfach ein repräsentativer Querschnitt meines aktuellen Schaffens.

+Wie entsteht ein typischer Yello-Track? An welcher Stelle kommt Dieter Meier mit seiner Stimme ins Spiel?
Es ist nur ganz selten so, dass ich schon am Anfang weiß, wie ein Stück am Ende wirklich klingen wird – eigentlich nur dann, wenn ich eine Filmszene akustisch illustriere. Ansonsten fange ich einfach an, Punkte zu setzen wie ein Maler auf einer Leinwand. Ich lasse mich sehr oft von Klängen und Geräuschen durch ein Stück führen und so entsteht das Stück wie ein Patchwork – und am Ende steht dann ein Klanggebäude, das ich mir am Anfang noch gar nicht ausmalen konnte.

Ich arbeite auch ein bisschen wie ein Eichhörnchen – aber statt Nüsse sind auf meinem Rechner überall kleine Schatzkisten versteckt. Das sind lauter Ordner, in denen ich im Vorfeld immer schon bestimmte Fragmente, Sounds oder Skizzen sammele und dann bei Gelegenheit heraushole – so etwas habe ich auch schon wieder für einen anstehenden Film-Soundtrack vorbereitet.
Ich fange dann meistens mit einem Loop oder einem ähnlichen Rhythmusmuster an, dann kommen die Bässe und die perkussiven Sachen, weil die mich am meisten interessieren. Erst kurz vor Schluss, wenn die Basis schon steht, versuche ich mit meinen begrenzten musikalischen Möglichkeiten noch Harmonien zu dem Stück hinzuzufügen. Und wenn das Stück dann schließlich steht du so klingt wie es soll, dann wird Dieter [Meier] eingeladen. Er geht dann zur Schreibmaschine, schreibt spontan einen Text und entwirft Stimmfragmente, die dann zusammen besprochen und schließlich aufgenommen werden.

+Was steckt hinter dem typischen Yello-Sound, bei dem sich so viele kleine Details abspielen und trotzdem alles immer so transparent bleibt?
Ein kleines „Geheimnis“ ist wahrscheinlich, dass ich beim Abmischen schon immer eine Gefühl hatte für einen bestimmten transparenten Sound – für ein Klanggebäude, in das man als Zuhörer praktisch einsteigen und sich wohlfühlen kann. Ich gebe mir da wirklich sehr viel Mühe und trenne die Frequenzen so, dass es keine Überlagerungen und Interferenzen gibt, damit der Hörer sich vom Gesamtklang nicht „zugedeckt“ fühlt.
Zum anderen entsteht der „Yello-Sound“ wahrscheinlich aus meiner Vorliebe für gewisse Rhythmusfragmente, die vielleicht inzwischen sehr typisch nach Boris Blank klingen. Vielleicht hat es auch damit zu tun, dass ich keine Noten lesen kann und mich insgesamt eher wie Kind in diese ganzen Klang- und Soundtools eintüftele.


+Du hast ja ein sehr umfangreiches Studio mit einem großen Gerätepark. Welches Equipment ist für das neue Yello-Album vorrangig zum Einsatz gekommen?
Ich arbeite mit Logic Audio als Sequenzer und setze dazu viele Software-Instrumente wie Absynth und Reaktor ein. Und dann gibt es natürlich noch die ganzen alten Hardware-Synthesizer, die da auf ihren Gestellen herumstehen – der Arp Odissey, der Prophet 6000 - auch die setze ich noch ein. Dazu kommt noch mein Fairlight mit seiner riesigen Sample-Bibliothek. Daraus kommen immer wieder verschiedene Sounds zum Einsatz, die ich teilweise vor über 20 Jahren gehampelt habe und heute wieder recycle, indem ich sie mit Effekten und Plugins auffrische.
Es gibt heutzutage einfach ein so großes Angebot, so dass ich mich sehr bemühe, möglichst wenige Sounds „von der Stange“ zu benutzen – und selbst die werden dann noch bis zur Unkenntlichkeit weiterverarbeitet. Ich arbeite sehr viel im Makro-Bereich, indem ich den Sound gezielt verforme und verändere – das geht dann manchmal durch zwanzig verschiedene Effekt-Plugins. Das wird alles durch den Fleischwolf gedreht und kommt unten anders raus als es vorher geklungen hat.
Insgesamt kommen inzwischen bei meinen Stücken zu ungefähr zwei Drittel Software und zu einem Drittel Hardware-Klangerzeuger zum Einsatz.

+Welche NI-Software hast Du für das neue Album benutzt, und wie hast Du sie schwerpunktmäßig eingesetzt?
Ich verwende sehr oft den Absynth, das ist einer der genialsten Synthesizer überhaupt. Die Architektur und der Klang ist wahrscheinlich das Gescheiteste was ich jemals gesehen und gehört habe. Dann mache ich seit einiger Zeit viel mit Reaktor, vor allem mit den Rhythmus-Maschinen darin, mit denen ich sehr viel Material vorproduziere. Ich nehme Sachen über das Recording-Window in Reaktor auf, verfremde es, nehme es wieder auf – so arbeite ich dann step-by-step.
Den FM7 und die B4 finde ich sehr gut, ansonsten benutze ich noch Vokator, den Pro-53, und in Kontakt arbeite ich mich gerade ein. Das Spektral Delay finde ich sensationell, absolut genial.

+Hast Du schon eigene Ensembles in Reaktor erstellt?
Noch nicht, dazu war die Zeit bisher zu knapp. Man müsste in Finnland leben, damit man die langen Nächte ausnutzen kann – denn es ist total faszinierend, da einzusteigen. Die Möglichkeiten sind enorm, aber das Ganze ist auch sehr zeitaufwendig.

+Wie kriegst Du Deine Software-Klangerzeuger in den Griff, benutzt Du Hardware-Controller oder setzt Du noch ganz auf Maus und Tastatur?
Maus und Tastatur – ich habe ein starkes Handgelenk (lacht). Natürlich reizen mich diese Controller schon, aber das braucht dann wieder zwei Wochen Einarbeitungszeit, und die habe ich in letzter Zeit einfach nicht gehabt. In Kürze will ich mir so was aber mal besorgen.

+Musiksoftware im allgemeinen wird ja immer live-tauglicher. Reizt es Dich, den Yello-Sound in Zukunft auch live auf die Bühne zu bringen?
Nein, nicht wirklich, das ist mir zu komplex. Da auf der Bühne wie ein Pilot im Cockpit zu stehen – das sind ja Tätigkeiten, die nur mit Technik verbunden sind und bei mir nicht das Gefühl aufkommen lassen, dass ich da live mit den Hüften dazu wackeln kann. Ich glaube das sähe lächerlich aus – zwei Schnurbärte, die sich da auf der Bühne irgendwie rhythmisch bewegen (lacht).
Ich bin einfach eher jemand, der zu Hause seine akustischen Gemälde malt und das dann irgendwann zu einem Album verarbeitet und herausgibt, anstatt dass ich mich mit einem Laptop auf der Bühne exponiere.

+Du begreifst Dich also eher als Tüftler und vielleicht „akustischer Bildhauer“ statt als impulsiver Musiker?
Auf jeden Fall. Wobei ich schon gerne auf Konzerte gehe, wo es richtig abgeht – beispielsweise zu einer afrokubanischen Band, wo dann 18 Leuten auf der Bühne stehen. Oder auch auf gute Parties, aber da steht dann nur ein DJ der sich selber nicht so wichtig nimmt. Aber selber auf die Bühne zu gehen hat mich nie gereizt. Wir haben ja früher einige wenige Auftritte gehabt - in New York, in London und in Paris – aber ich habe einfach nie Zeit gehabt, mich auf der Bühne zu finden und da wirklich Spaß daran zu haben.
Ich sitze ja grundsätzlich beim Musikmachen immer hinter dem Computer, und das ist für mich nicht die Performance, wie sie jetzt ein Gitarrist bringen kann, der Freude am Live-Spielen hat und bei dem man das dann auch mitfühlen kann. Wenn ich in meinem Instrumentarium drinstecke, würde das Publikum von mir wohl nur meinen Kopf sehen oder meine Frisur...

+Hast Du Dich als Musiker mit dem Thema Musik-Downloads auseinandergesetzt?
Ich denke schon, dass die Musikindustrie dafür mitverantwortlich ist – die großen Plattenfirmen hätten sich schon vor 10 Jahren zusammensetzen müssen, um sich ein paar Gedanken darüber zu machen, welche Rolle das Internet in Zukunft spielen würde. Ich glaube, inzwischen lässt sich an der Situation nicht mehr viel ändern – ich denke dass die Zeit der großen Musikfirmen bald abgelaufen ist.

+Du verfolgst die technologische Entwicklung ja schon seit langer Zeit – wo wird es da demnächst hingehen, und was sind Deine Wünsche, was Software-Innovationen angeht?
Einen Laptop mit Kontakten direkt ans Gehirn und dann nur noch denken.... und dann die Musik gleich zu hören und zu sehen...

+Brain-to-Midi wäre also etwas für Dich....
Ja, schon. Wenn damals einer vorhergesagt hätte, dass man diesen Prophet-Synthesizer in zehn Jahren für unter 300 Euro als Software kaufen kann, und der dann auch nicht andauernd neu gestimmt werden muss - das hätte natürlich niemand geglaubt. So wird es weitergehen in Zukunft, dass immer neue Sachen kommen, die immer effizienter sind und die Leute auch immer individueller ansprechen.
Es ist auf jeden Fall diese Technologie, die mich fasziniert und irgendwie auch jung hält. Ich habe schon damals immer das Gefühl gehabt, dass die neuen Entwicklungen im Musikbereich einfach nicht zu stoppen sind. Als ich damals als junger Mann in diese Musikgeschäfte ging um die neuesten Synthesizer von Moog und Arp auszuprobieren, haben die Verkäufer immer schon zueinander gesagt: „Da kommt wieder dieser Spinner, der diese Synthesizer ausprobieren will... mach die Tür hinter ihm zu, damit wir in Ruhe weiter Kaffee trinken können“. Elektronische Klänge waren damals nach Meinung von solchen Leuten einfach keine Musik. So war es wahrscheinlich auch schon ganz früher, als man die Harfe waagerecht gesetzt hat und ein Spinett draus gemacht hat, und dasselbe dann beim ersten Klavier, bei der E-Gitarre....

+Glaubst Du, dass Du in absehbarer Zeit komplett mit Software arbeiten wirst, oder hängst Du noch sehr an Deinen alten Synthesizern?
Ich schaue hier in meinem Studio natürlich oft wehmütig auf die verstaubten alten Synthesizer, die da noch ihrer Tage harren, aber ich kann mir gut vorstellen, auch nur mit einem Laptop voller Software und einem Paar Aktivboxen eine Platte zu machen. Native Instruments ist da tatsächlich die Firma, die mich da in den letzten Jahren am meisten überrascht hat – durch die Hartnäckigkeit und Professionalität, mit der diese ganze innovative Software entwickelt wurde. Wahrscheinlich hat inzwischen sogar der Herr Moog ein neidisches Auge auf euch geworfen...

+Das müsste man ihn mal fragen... wie wird denn das nächste Yello-Album klingen? Hast Du schon Material, von dem Du weißt, dass Du es dafür verwenden wirst?
Das ist alles noch ganz offen. Ich arbeite ja wie ein Maler in einem Atelier, und wenn dann mal wieder sechzig „Bilder“ fertig sind, dann wähle ich davon fünfzehn aus, die mir am besten gefallen, die werden dann besungen und kommen zu einer Vernissage in die „Galerie“, also auf eine CD. Ich sammele einfach Bilder, bis ich das Gefühl habe das kein Platz mehr da ist - dann müssen die eben raus.

Life in Blue - Christian Morgenstern interview
Showing true Forte's philosophy, the ultimate home-listening album "Hawaii Blue" from Christian Morgenstern will surprise you. Well-known German producer on Kanzleramt, Kurbel or Konsequent expresses his personal vision of musical cross-over and his wish to escape from dancefloors format. Let's go further on eclecticism seems to say this successful artist / graphic designer / manager !

- Atome : "Hawaii Blue L.P" is coming out this month. How would you describe this album ? What's the main difference with others albums you produced on Kanzleramt or on Forte ?
- Christian Morgenstern : The main concept behind Hawaii Blue was to create an electronic music album that makes you feel good if you listen it. In contrast to the rather melancholic and dark Lydia EP, Hawaii Blue is more of a sunny, friendly, open-minded album. Unlike earlier works, Hawaii Blue is supposed to be an album that foremost works at home in your CD-Player. It's supposed to be more of a listening album than a product designed to fit in the clubs (even though there are also tracks that have a straight bassdrum). Actually, Hawaii Blue originally was planned to be a compilation. Everytime I was sick of doing techno tracks and functional music I used to do those 80's inspired pop tunes, and after a while a friend of mine asked me to make a compilation only featuring those non-techno tracks. This was around June 2000. Later on the original concept developed towards making a real album, not just a compilation. So the idea for Hawaii Blue was born (originally Hawai iBlue). I wanted to produce an album which is an artistic statement, not just singles and fillers, an album that you like to listen to in one piece, some kind of musical journey. That's why, in the end, the album concept took more time than the production of the actual tracks on the album.

- A : Your "Lydia" LP is different from your other productions. It sounds more minimal, less electro. Do you agree and is there a reason ?
- C.M. : Lydia was the first album I did with my new mixer. From one day to another the possibilities regarding technical matters increased in large amount. So this album was heavily coloured by the expanded sound and producing pool I suddenly had instant access to. That is also why the Lydia EP sounds very clean and even digital (which for me is rather unusual), even though it was produced with rather old equipment. Since I used to produce most of the music, I did before the Lydia EP only with a small mixer without parametric equalisation, a sampler and a cheap effects unit, I was totally stunned and fascinated by the way how detailed you can manipulate and alter sound and realise sophisticated ideas with the proper equipment. If Hawaii Blue is the most musical album I ever did, The Lydia EP is the most technical one.

- A : On various records, you put SID tunes. Why ? Were you on this computer scene some years ago ? as a game or demo musician maybe ?
- C.M. : Actually, those tracks are Protracker modules. When I was still part of the Amiga scene (actually I used to be a graphician back in the days and not a musician), I did loads of those chip tunes for fun, and listened to them all day. Since the idea behind chip tunes was to create music at requires a minimum of disk space the tracks usually just consisted of a few pattern that were looped (so that the final track including the samples still is below around 20 KB). So the tracks had to have a melody and a structure that works even if you listen to it over and over again. Throughout the years some of those chip tunes turned into my personal evergreens, even though they tend to be quite simple, and I witnessed that this kind of music can not be heard anywhere but in the Amiga scene, and this sound, even though it is rather cheap was quite unprecedented. Besides that, those tiny pieces were the true origin of my life as a musician, and these nostalgic flavoured modules still succeed to enchant me.

- A : How is your label today ? Why did you create Forte records ? What is the artistic line of the label ?
- C.M. : Back in the days the Forte Records seeds were planted because I increasingly had the feeling that I wanted to have my own label, develop my own style and be responsible for the whole creative process - from the music, towards to the visual concept, on to marketing, promotion.... not just to give away the music, and wait until the postman brings the finished records. I always felt the strong desire to design my products by myself. When I did my debut-single on a small German label in 1995, the first thing I did was to create the graphics together with the guy I pixeled the Amiga graphics back then (we were called C.A.T - Covert Action Team). Since I was not only interested in electronic dance music, I planed to create a platform which is open to the all music I like, no matter what sort of it might be, and - Forte Records was born. The concept of Forte Records is to promote high-quality, innovative synthetic music and to spread this music throughout the planet, to attain listeners that are interested in that kind of music, and to break musical boundaries.

- A : Could you introduce the Forte crew, especially Ural 13 Diktators ?
- C.M. : Ural 13 Diktators are two guys from Finland, which joined the Forte Family back in the end of 1999. I got hold of their second maxi Diskossa EP, and was totally fascinated by the style they combine dance floor grooves with solid melodies. I contacted them and over a period of about one year the concept for Total Destruction was developed. Besides the Forte Family consists of the following members : Maral Salmassi (DJ / A+R), Michael Spahn (Internet Consultant / Creative Director), Falko Brocksieper (DJ / Graphic Artist), Thorsten Schneider (Photographer / Support), Hirad Salmassi (Grip / Roadie).

- A : What about you ? How did you come to electronic music ? How and when did you start music ? How would you define your own style ?
- C.M. : I came to techno music through the Amiga scene. I think it was 1992 when we were at "The Party" in Aars, Denmark to take part in the graphic competition. And nearly everyone was listening to techno or metal. I disliked both types of music. "Felix - Don't you want me" was the first techno-track I was totally amazed of and I suddenly started to buy a lot of techno / trance music like the Mayday compilation... Besides I concentrated more and more on making music with the Amiga and neglected doing graphics. When a friend living in Stuttgart called me that he just bought a synth and he wanted to start making techno music, I ask a guitar playing friend if I can lend some equipment from him, and drove to Stuttgart. I stayed there for a week or so and we did our first tracks and tried to give them to different labels (such as Harthouse...). But none really liked them (except for the hardhouse dude, but he told us to do some more stuff). We kept producing and founded a label called ? records. Did one maxi and split, because of different musical tastes. I worked at a steel-melting factory for two weeks and bought a mixer, an effects unit and a compressor. Later I also bought a sampler and kept producing. Looking back I have to admit that I really spent a lot of time in front of my equipment doing techno music. It was just like getting up, switching on the computer and producing until I am so hungry that I really need to eat. This situation endured until 1997 when I applied for the academy of media arts in Cologne. As techno started to bore me and since I always was interested in a vary of musical styles, more different musical sources started to influence me and I somehow developed away from straight club techno, or common electronic music. Hawaii Blue is the status quo of this development.

- A : What are your musical background and main influences ?
- C.M. : Talking techno, there are a few person whose music I really like : such as Thomas Brinkmann , Surgeon, some Joey Beltram stuff, old Luke Slater stuff, old Jeff Mills stuff, some stuff from the Kanzleramt guys, some stuff from the Cologne based labels... actually I like a lot of stuff. When I first started concentrating on techno music, I really loved Cristian Vogel (absolute time) and Neil Landstrumm (index man ep). Other, more dominate influences are literally all types of music. Stuff I like to listen to includes : Hip Hop (GangStarr & surrounding, EPMD, Eric B & Rakim, Methodman, Redman & surrounding, Balck Eyed Peas...) Black Music & Soul (like Quincy Jones, Michael Jackson, Billy Ocean, The Gap Band...), contemporary teeny pop (like Britney, N'Sync, Backstreet Boys), Heavy-Metal (Judas Priest, Deep Purple, Iron Maiden, Metallica...), chilly Jazz, 80's pop, David Bowie, Joy Division, Depeche Mode, Roxy Music, country and other new stuff like Radiohead, Nick Cave, Smashing Pumpkins, Placebo...

- A : Your started few years ago on Kanzleramt records. How did you meet Heiko Laux ? What do you think about his music ? How would you define your work relations ?
- C.M. : I met Heiko for the first time at the Popkomm Neuton Party in Cologne. Heiko was still working for Neuton Distribution company and he played live. A friend of mine came up with the idea to give Heiko a tape (I have sent about 20-40 tapes to different labels that time) and I did it. Heiko at first thought I wanted him to record his live set, but when he realised my concern, he took the tape and put it into one of his cases. I just thought Great, one more lost demo tape. This was on Friday afternoon. On the next day at noon, the telephone rang and Heiko was on the phone.

- A : Who are the artists you'd like to work with in the future ?
- C.M. : There are a lot of artist I would like to work with. Especially artist with a different musical background than electronic music. I like to cross-over. I think musical boundaries and clichés, are no longer relevant in a time where Christina Aguilera jumps on stage in a Limp Bizkiz Live performance at the MTV Awards. I suppose the next musical project I am going to start will inherit this cross-over character.

- A : What are your musical projects in 2001 ?
- C.M. : First of all I hope to have a good start with Hawaii Blue coming out these days. Then there will be a last Kanzleramt Maxi coming out in the summer (entitled Benihana EP). "The class of 84" will be re-released on Konsequent Records due to large request. This hard techno album was released in October 2000 under my alter ego Visco Space in a limited edition an jumped on top of the groove charts immediately. Probably I will go further in the direction of producing different artists, time will tell. Currently I am working on a soundtrack for a short movie and I think this situation won't change within the next weeks / month. Afterwards I suppose I will be busy with my diploma.

http://www.forterecords.de
http://www.brainfood-for-the-masses.com

Atome.com

Textone Interview
Von Zeit zu Zeit passieren im Netz noch Dinge, die vorher kaum denkbar gewesen wären. Das Label Textone ist ein solcher Fall. Sicher gab es auch schon vorher Netaudio Labels, die hervorragende Releases im Netz stehen hatten, doch der Weg, mit 3 Vinyllabels als Hintergrund und jahrelanger Erfahrung bei der professionellen Führung solcher, ins Netz zu expandieren ist relativ einmalig. Jay Haze und Björn Hartmann haben diesen Weg eingeschlagen und haben der Netzgemeinde minimale Grooves und tiefen Dub geschenkt, für den man bisher Geld ausgeben mußte oder Pirat sein.

Jay Haze kommt musikalisch vom Dub. "diese Musik hat mich mit elektronischer Musik in Verbindung gebracht. Das Experimentelle und die Einfachheit der Musik hat mich fasziniert und mich dahin gebracht, wo ich jetzt stehe". Neben Tuning Spork, für Techhouse mit Tanzflächen Ausrichtung und Contexterior Media, für experimentellere Elektronica betreibt Jay zusammen mit Björn noch das Offline-Label Future Dub. "Mit Future Dub will ich den Roots-Dub aus Kingston Jamaika weiterdenken, auf ein neues Level heben. Ich gehe dabei nicht den Weg, den Rythm & Sound / Basic Channel gehen, deren Magie in der Einfachheit liegt, sondern den Raum für Dub neu zu definieren."

Das gute Arbeiten mit den Labels spiegelt sich nicht nur in der Anerkennung der Labelpolitik durch die Szene, sondern auch in vermehrten Auftreten und einer im November stattfindenden Japan Tour. Bei solchem Erfolg stellt sich besonders die Frage, warum man nun den Weg ins Internet gesucht hat. Darauf hat Jay eine recht ökonomische Antwort: "Die eigentliche Motivation zum Start des Labels, war der Fact, daß wir sehr viel gute Demos hatten, die wir wegen des finanziellen risikos nicht auf Platte veröffentlichen konnten. Bei einer Zugfahrt haben wir dann über das Label thinner gesprochen und gesagt: Hey laß und das machen!". Bei den Vinyllabels steht Jay eher im Vordergrund, wo hingegen Textone das Baby von Björn ist. "Schon durch mein Studium der Computer Wissenschaften, bin ich diesem Medium eher zugewand als Jay. Unser Plan war eigentlich nicht von Anfang an, bekannte Künstler auf Textone zu veröffentlichen. Durch unseren Background haben wir aber doch eher Kontake zu Leuten, die Platten veröffentlicht haben. Bei Theodor Zox (Textone#5) war es eben ein gutes Demo, weshalb wir ihn genommen haben. Er hatte vorher keine Platten veröffentlicht. Was wir auf keine Fall wollen, ist eine Abfallverwertung von Künstlern zu betreiben, deren Tracks auf keinem "richtigen" Label untergekommen sind.”

Den Unterschied zwischen Textone und anderen Netaudio Labels sehen beide auch nur durch den Background, den beide durch jahrelanges Betreiben von Labels erhalten haben. "Wir haben genau den gleichen Qualitätsanspruch, wie ein normales Label und gehen auch professionel in Sachen wie Mastering und Preparation der Files usw. an die Sache ran." meint Björn zu etwaigen Unterschieden. Es ist ja auch nicht nur allein Textone vorbehalten, bekannte Künstler im Netz zu veröffentlichen. Bei einem der Vorreiter, Thinner gab es schon immer und die letzte Zeit vermehrt bekanntere Künstler, die Tracks zum Downlaod freigeben.

Die Sozialisierung der beiden zeichnet sich auch bei der Einstellung zur möglichen Zukunft der Musik im Internet. Jay ist sehr skeptisch: "Ich glaube nicht, das irgendjemand sein Geld durch Downloads seiner Musik verdienen kann. Es ist ganz simpel: Wenn es im Internet ist, kann man es umsonst bekommen. Irgendjemand kauft es einmalig und stellt es dann ins Netz. Piraterie findet nunmal statt im Internet. Wenn man etwas umsonst bekommen kann, ist es schwierig Leute dazu zu bewegen Geld dafür auszugeben. Es funktioniert einfach nicht. Fast jeder, den ich kenne nimmt irgendwie Teil an der Piraterie, sei es Musik, Software oder Filme. Das ist erschreckend! Wir sind im Zeitalter der Piraterie.Solange die Moral der Leute nicht besser wird, sehe ich darin keine Zukunft. Es wird auch immer Leute geben, die Platten kaufen wollen"

Björn sieht eher die alten Strukturen überdenkenswert: "Meine Ansicht ist, das eigentlich die Carrier Medien, die Tonträger an sich, ausgedient haben. Wenn ich mir die Kostenstruktur unserer Vinylreleases ansehe, geht das meiste Geld für Manufacturing und danach für die Distribution drauf. Weil es einfach darum geht ein faßbares Objekt herzustellen in einer Fabrik und das hat ein Gewicht, und muß dann nachher mit UPS etc. durch die Welt geschickt werden. Aber die Verbindung zwischen diesem Objekt und der Musik an sich ist ja nicht zwingend. Musik ist ja ein immaterielles Gut. Das ist es doch eigentlich nur naheliegend, die Musik von diesem überflüssigen Objekt zu trennen und einfach als pure Information zu übertragen." Durch eine rosa Brille sieht Björn allerdings die Welt im Netz auch nicht: "Das Hauptproblem bleibt, wie es sichergestellt wird, das Musiker weiterhin von ihrem Schaffen leben können.”

Falls man keine Platten verkauft, könnte man ja durch Auftritte Geld verdienen. Das ist zumindest eine Wendung zu einem alten Modell von Musikerm, wie es z.B. von Matt Black / Coldcut für Möglich gehalten wird. laut Jay kann das aber nicht die Lösung sein: "Ich verdiene eigentlich auch nur durch Auftritte Geld. Platten rauszubringen ist immer ein finanzielles Risiko und unter 10.000 verkauften Scheiben, was kein Underground Label schafft, zahlt man mehr oder weniger drauf. Aber es kann nicht sein, das man sein Geld nur durch Auftritte verdient. Es gibt Leute, die machen geniale Musik, können aber nicht auftreten. Die sind dann eben screwed."

Ohne in diesem Interview eine Lösung für die Zukunft der Musik zu finden, bleibt noch ein Ausblick von Björn, was demnächst von Textone zu erwarten ist. "Wir wollen auf jeden Fall den bisherigen Release Plan weiterhin beibehalten, das heisst alle Zwei Wochen gibt es eine neue Ep, jeweils zum ersten und zum 15. Über Weihnachten werden wir erstmal etwas Pause machen, weil erstens wir ja auch unseren Urlaub nehmen wollen und zweitens die Leute auch in der Ferienzeit nicht so oft vor dem Rechner sitzen. Dann wird es zum 15. Dezember ein Weihnachtsgeschenk geben, für das Jay gerade die A&R Arbeit macht, aber im neuen Jahr gehts dann eben weiter mit den regulären Releases."

Textone kann man als Netlabel bezeichnen, das am konsequentesten Qualitätsmanagement und eine professionelle Labelarbeit betreibt, wie es von vielen für das Internet gefordert wird. Damit auch wieterhin erstklassige Releases auf dem Label erscheinen können hat Björn noch einen Aufruf an euch: " Wenn ihr Demo CDs habt, mit minimalem Material, einfach an uns schicken. Unsere Mailing Adresse ist auf der Webseite und wir hören uns jedes einzelne Demo an und innerhalb von ein oder zwei Tagen gibts dann eine email, die genau beschreibt, was uns gefallen hat und was uns nicht gefallen hat und wie die chancen stehen. Was wir noch machen können, was meiner Meinung nach in der Netzaudioszene wichtig ist: Wenn wir gute Musik bekommen, die jetzt nicht vielleicht in unser Konzept passt, leiten wir es auch gerne weiter an andere Netlabels." Ein schönes Schlußwort!

INTERVIEW
STEVE BUG
by Marc Peakay

Durch eine große musikalische Vielfältigkeit hat sich Steve Bug´s Label Poker Flat als die Nummer eins im Bereich des Minimal- und Tech-House etabliert, und der Name verbeitete sich 1999 durch Steve´s unsterblichen Clubhit „Loverboy“ wie ein Lauffeuer. Steve Bug führt seinen Stil fort: er spielt mit lockendem, lockerem Funk, dreckigen Retro-Bässen und willkürlichen, zwitschernden Tönen, er erarbeitet aus Techno-Elektro und Basic-Funk blosse House Grooves, und erzeugt eine dunkle, fraktale, verführende Musik. Gerade hat er sein neuestes Projekt “Bugnology” fertig gestellt, eine besonders bearbeitete Mix-CD, und feiert Jubiläum mit der 50. Poker Flat Release “Loverboy - re-loved”, welches neue Mixe von ihm und Guido Schneider enthält.

Steve, Du arbeitest gerade an einem Artist-Album – wird es mehr auf den Dancefloor fokussiert sein oder stellst Du andere Anforderungen an das Longplayer-Format?

Das steht noch nicht so genau fest, das Album ist noch im Entwicklungsstadium, aber es wird dieses mal etwas mehr Vocals geben und ich versuche den Computer, sprich die ganze Software etwas mehr als additives Stilmittel einzusetzen. trotzdem wird es mit Sicherheit genug Dancefloor geben, weil da ja immer noch mein Hauptaugenmerk drauf liegt. Die Idee ist aber, für diese Tracks spezielle Versionen fürs CD-Format zu produzieren... Man (incl. mir) darf gespannt sein; )

Was hat Dich in Deiner mittlerweile langjährigen Karriere als DJ und Producer am meisten geprägt, sowohl musikalisch als auch persönlich?

Das viele Rumreisen, alleine sein, sehr viel zeit zum Nachdenken zu haben und natürlich auch die ganzen zwischenmenschlichen Kontakte. Man trifft ständig auf neue Leute, hat aber kaum Zeit für seine Freunde...

Wie sieht die typische Steve-Bug-Arbeitsweise aus, wie können wir uns das Entstehen eines Tracks oder Remixes vorstellen?

Es gibt eigentlich keinen typischen Anfang bei mir, manchmal probiere ich einfach nur was aus, manchmal habe ich schon was konkretes im Kopf, es ist immer unterschiedlich...

Für welchen Künstler würdest Du gerne einen Remix anfertigen, mit welchem würdest Du gerne Kooperieren?

Bestimmte Künstler zu remixen ist, denke ich, eher uninteressant, es kommt halt eher auf den jeweiligen Track an. davon abgesehen möchte ich im Moment sowenig Remixe wie möglich machen, um all meine Kreativität für eigene Produktionen zu haben... Dennoch bekam ich kürzlich ein Demo mit unheimlich starken Tracks, und ich konnte es mir nicht nehmen lassen, hierfür selbst einen Remix zu machen. Um gemeinsam zu produzieren, könnte ich mir Guido Schneider oder Matthias Tanzmann gerade sehr gut vorstellen, mit letzterem ist das eh schon länger geplant. Alles nur eine frage der Zeit!

BORN
Orde Meikle, Oxford 1964
Stuart McMillan, Glasgow 1966

FAMILY
Stuart: "Sadly, my mum is no longer with us and the CD is dedicated to her. She was the musically-minded one in the family and always had music playing in the house - jazz and Ella Fitzgerald, that kind of thing.”
Orde: "My background is a little more ‘hippy’ than Stuart’s. My dad’s a university lecturer of moral philosophy and very left wing . My Mum’s Danish… I didnt wear shoes as an infant and saw a lot of the world as a child.”

MUSICAL ROOTS
Stuart: "I got into punk at the age of 11 through listening to the John Peel show - we grew up with that show and Peel also introduced us to reggae and some very early electro and hip hop – it’s an honour to follow him in the fabric CD series!”
Orde: "We got into dance heavily in about ’86, it was kind of a spin-off from the funk and electro scene of that time."

FIRST PROJECTS
Stuart: "We did our first club - Slam - in Glasgow in 1988 in a small place which was packed with 200 people. Within a year we had 2000 people turn up at a Slam all-nighter at the city’s Tramway. We then did a weekly residency at the sub club for 4 years and moved to the Arches in the early nineties, where we now do Pressure once a month.”

LABELS AND PRODUCTION
Stuart: "We started Soma in 1991 doing a few releases a year and built it over time – keeping it independent and putting out music we really believe in. I think the strength in Soma is with the A & R – there’s 5 of us and listening sessions can get crazy! The label is about growing artists and the music policy is varied and keeps people guessing."

DJING
Orde: "We are really connected and this was cemented with the 4 deck sets we did together at last year’s festivals and bigger clubs. We can go record shopping separately and come back with a lot of the same tunes!”
Stuart: "This CD reflects our DJing sound in Room 2 at fabric, starting deep and getting gradually more intense towards the end. Mad Mike’s amazing "Inspiration" is the last track - I’m sure that’s going to grow and develop exactly as ‘Jaguar’ did."

FABRIC
Stuart: "It’s the club that London needed badly. To have that booking policy is brilliant. I think it has rejuvenated the scene and maybe now, more commercially-minded people have thought ‘hang on, you can do different things and do well’."

THE FUTURE
Stuart: "At the moment we’re working on our new artist album. We’re working in a weird way - switching between tracks, adding bits and pieces here and there, tweaking things. We’re capturing those "moments" when they happen and building on them over time.”
Orde: "That should be out this year some time. I’d say we have four or five tracks looking really strong at the moment."